Alguna vez os habéis preguntado ¿por qué se genera el ruido en las imágenes digitales? ¿De dónde viene?

Cuando hacemos una foto la luz que entra por el objetivo va a parar a nuestro CCD o CMOS, los fotones se convierten en electrones al llegar al píxel. Luego pasan a un amplificador y luego a un convertidor analógico digital (CAD). Pero estos electrónes producidos por la luz no son los únicos que llegan a los píxeles. Hay algunos que son producidos por el amplificador y por el CAD y se van al píxel. Los píxeles no “entienden” si vienen de fuera (de luz) o de dentro (mismo de la cámara). Para que nos entendamos es una energía que se escapa de nuestras cámaras cuando realizamos la foto, y esta energía queda reflejada en nuestros píxeles en forma de ruido.

Por eso parece lógico que cuanto menor sea la luz que le llega al píxel más ruido tendrá, y vicebersa, cuando mayor sea la luz que llega menor será el ruido.

Obtendremos más ruido en las siguientes situaciones:

- Largas exposiciones: cuanto más tiempo de exposición más electrones internos se nos cuelan. Además a partir de exposiciones de 3 minutos para delante tenemos otro problema, se generan los llamados fireworks: que son píxeles aleatorios que después de un determinado tiempo de carga “explotan”. Los distinguiremos en nuestras imágenes porque son de color rojo, azul, blanco o raramente verde. (El color depende del filtro que tenga delante ese píxel, y como de verdes hay menos….) Estos fireworks los podemos eliminar desde la cámara activando la opción de “eliminación de ruido en largas exposiciones”.  Lo que hace la cámara internamente es que va haciendo, durante la exposición, un mapeo de píxeles para  localizarlos y quitarlos. Lo malo de este software de cámara es que si estamos fotografinado estrellas o brillos… es que te puede quitar algo que no deba creyendo que se trata de un firework. Además de que la cámara tarda muchísimo más en procesar la imagen. Consejo: nunca dejar activada esta opción sino vamos a disparar en exposiciones muy largas (ralentiza demasiado la cámara).

En los respaldos digitales no tenemos este problema porque cada 20 segundos aproximadamente el opturador se cierra (para luego volverse a abrir) y o bien no se han generado o bien los localiza y los elimina. (Hay el día que tenga yo mi Hasselblad y un buen respaldo digital…)

- Cuando más calor haga.

- Cuando la luz venga más angulada (menos frontal).

- Cuando aumentamos el ISO. ¿Y lo del ISO por qué? Las cámaras digitales podríamos decir que sólo tienen una única sensibilidad, que se corresponderá con el número más bajo que tengamos (en mi caso 100 ISO con mi Canon 500D) En cuanto metemos un múmero más alto de ISO (xej 200) en verdad lo que estamos aumentando es la ganancia (como en las cámaras de vídeo). Y de meter esta ganancia se encarga el amplificador duplicando (para un 200 ISO), cuadruplando (para un 400 ISo)… los electrones. Al multiplicar esos electrones también se nos multiplica el ruido.

Y ya que me he metido un poco con el ISO hago una pequeña anotación. Nuestras cámaras, por lo general, llegan hasta 3.200 ISO por hardware. Si nos deja la opción de subirlo a 6.400 o más en verdad está tirando de software subiéndonos los niveles automáticamente. Podréis comprobar en vuestras cámaras que disparando en RAW no deja utilizar este software. No es muy recomendado tirar con ISOS tan altos.

Si quereis saber cual es la mejor manera para eliminar el ruido de nuestras fotos te lo explico en otro post. Los resultados son impresionantes.

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Como ya sabreis los fabricantes de las cámaras ya han acabado con la guerra de los píxeles. Hoy en día hay otra guerra presente, la eliminación del ruido (junto con la de el aumento del rango dinámico, pero de eso no voy a hablar en este post). En octubre del 2009 Nikon desbancó a Canon en las ventas mundiales por primera vez en la historia y fue porque sacó dos modelos de cámaras que producen muy poco ruido.

Mientras nosotros no tengamos esas cámaras poderosas tendremos que eliminar el ruido por nuestra cuenta. Ya conoceréis el filtro de eliminación de ruido de Photoshop, que la verdad que funciona bastante bien. Pero hoy traigo un método mucho más efectivo, lo único es que se tiene que hacer desde el momento en que sacas las fotos. Me explico.

Si por ejemplo vamos a sacar una foto a un castillo por la noche, en la que vamos a utilizar un ISO alto (por lo que ya sabemos que vamos a tener ruido), en vez de sacar una foto sacamos varias, con idénticas caractéristicas, mismo diafragma, misma velocidad, mismo ISO y mismo encuadre. Luego nos llevamos nuestras "idénticas" fotos al Photoshop. (Pongo "idénticas" porque serán iguales en todo excepto en el ruido, porque el ruido se genera aleatoriamente y nunca es igual en dos fotos iguales). Abrimos las fotos en Imagen - Seleccionar archivos en pila, activanado la opción que tenemos abajo de alinear. Se nos abrirá una imagen con tantas capas como imágenes hayamos metido. Nos vamos a Capa - Convertir en objeto inteligente. Se nos alinearán las fotos en una única capa y sólo veremos la imagen que teníamos en la capa superiosr. Ahora nos vamos a Capa - Objetos inteligentes - Modo de apilamiento - Mediana. Y veremos ya el espectacular resultado. Lo que nos hace este fitro es eliminar lo que no tienen en común las imágenes y conservar lo que tienen en común.

Por eso es imprescindible para este método de reducción de ruido que las imágenes se tomen con trípode y que no haya ningún elemento que varíe en la foto, fotografiar objetos inmóviles.

Recomiendo este filtro porque no te desenfoca la imagen (como hacen normalmente los filtros de eliminación de ruido) te mantiene mejor la calidad de la imagen, además de que los resultados son espectaculares.

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¿Alguna vez os habéis preguntado si son mejores los niveles o las curvas para ajustar la luminosidad?

Pues ya tengo las respuesta. Las curvas .

La diferencia más clara es que en los niveles sólo se tienen tres puntos: blanco puro, negro puro y un medio; y en las curvas puedes hacer tantos puntos de anclaje como quieras en los tonos medios, además de tener el negro puro y el blanco puro.

Otra diferencia es que los niveles son muy destructivos. Si quieres comprobarlo puedes hacer una prueba muy sencilla: Abre una imagen cualquiera, pega los negros y sube los blancos, con las herramientas de visualización activadas (aquellas que te indican cuando tienes negro puro en la imagen o qué partes se queman). Dale a aceptar y ahora prueba a volver a sacar la información, es decir haz el proceso inverso, despega los negros y baja los blancos. Comprobarás que has perdido la información. Con las curvas esto no pasa.

Tal vez las curvas sean algo más “complejas” a primera vista de manejar, ya que los niveles son bastante intuitivos, pero merece la pena “perderlas el miedo” y jugar con ellas, que es como se aprende.

Cuando trabajemos con la luminosidad es vital trabajar en 16 bits, así no tenemos pérdidas de información. Cuando se hacen ajustes de luces en imágenes de 8 bits notaremos que en el histograma nos salen huecos, y en la imagen lo notaremos en que los degradados los vemos a “tirones” con rallitas, perdemos información.

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¿Cómo calibrar un monitor?

La única forma buena y fiable para calibrar un monitor es comprando un Calibrador :D. Este aparato mide la luz que emite el monitor sin influir la luz ambiente.  No es lo mismo calibrar una pantalla de pórtatil que una pantalla externa, porque el portátil no tiene los botones de contraste, brillo y RGB que necesitamos para calibrar. Y debo diferenciar que si trabajamos con dos pantallas (la del portátil y otra externa) se pueden ajustar el diferente estilo de calibrado a cada una si lo hacemos con Mac, los PC's no permiten ajustar dos simultáneamente con diferentes estilos.

Si queréis saber cuales son los mejores monitores os dejo una lista de marcas de mejor a peor:

. Quato: los mejores, pero extremadamente caros.

. Barco: muy parecidos a los anteriores de calidad pero con el mismo precio, caros.

. Eizo: relación calidad - precio muy buenos. Loa precios son algo más razonables.

. Neo: parecido a los anteriores pero de un poco peor calidad.

. LaGe: los de gama alta muy buenos.

. Dell: los de gama alta.

Una característica importante para decidirnos por una pantalla es que tenga los botones para poder tocar el RGB por separado cada canal, para poder hacer así el calibrado más fácil. Esto es simplemente porque las pantallas tienen unos años de vidas, los colores se van desgastando, unos antes que otros, sino están separados se degrada más y para ajustarlo ha de forzar.

Tal vez alguien esté extrañando las pantallas de Apple en esta lista. No se me han olvidado, no las puse aposta. Las pantallas son buenísimas, pero no las deja calibrar, no tiene acceso al RGB, ni al contraste... Para calibrarlas se asemejan a las pantallas de portátil. ¿Qué les costaría meter esos cuatro botoncitos en un laterla de la pantalla para así ser la pantalla perfecta?

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Recién salida de clase de Jorge Salgado sobre la gestión de color escribo este práctico post sobre los perfiles de color. Doy por entendido qué son los espacios de color, y sino es así consultar esta otra entrada.

Hay perfiles de entrada (cámara, monitor, escáner...) y perfiles de salida (impresión).

¿Cómo hacer un perfil de color de cámara?:

Necesitamos una carta de creación de perfiles, una carta de colores, las hay de varios tamaños y varios precios (cuantos más colores más exacto será el perfil). Se debe fotografiar esta carta, con una luz completamente homogénea y con una exposición adecuada (ni subexpuesta ni sobrexpuesta) y luego con un programa informático, el Profile Maker, por ejemplo, metemos la fotografía de la carta informándole qué tipo de carta de color hemos usado. El programa hace una comparación de los colores de la carta real y de los que nos han salido en la fotografía, de esta manera podemos ver en qué colores falla más nuestra cámara. Estos datos se guardan como perfil y luego al hacer otra fotografía le podemos aplicar este perfil y ya tenemos los colores completamente ajustados. He de remarcar que cuando hagamos la fotografía a la carta de color debemos tener en cuenta qué temperatura de color estamos usando, cual es la que hay en el ambiente, el ISO que utilizamos... en cuanto cambiemos cualquiera de estos ajustes, el perfil de antes no nos servirá. Por lo que sólo tiene sentido realizar el perfil de cámara cuando vayamos a hacer una serie en un mismo lugar y con las mismas condiciones, porque de no ser así, tendríamos que estar haciendo el perfil por cada foto. Además de que sólo tendrá sentido para determinados trabajos fotográficos que hagamos, donde el color sea muy importante y necesitemos que sea el que es.

Cierto es que los fabricantes de las cámaras facilitan ya estos perfiles por cada modelo que sacan, es tan fácil como descargarlo y luego aplicarlo a las fotografías. (Ya que ellos saben que tal modelo en los rojos tira más hacia el magenta... por ejemplo) Como es lógico no es tan exacto como haciéndolo con la carta de color, pero es mejor que nada.

Sin embargo para hacer un perfil de escáner con hacerlo una única vez sería suficiente, porque el escáner siempre utiliza la misma luz.

Los perfiles de salida, la impresión, dependen de muchas variables, del papel en el que vayamos a imprimir, de la calidad de los cartuchos de tinta... Es muy importante hacerlo ya que sino no vamos a conseguir que los colores nos salgan como son realmente en la foto. Para realizar el perfil de color para la impresora debemos imprimir una carta de color, dejamos que se seque bien la tinta (entre 15min y 20min), abrimos el programa que vayamos a utilizar para hacer el perfil (el Profile Maker por ej), le indicamos qué papel hemos utilizado y qué carta hemos impreso y con un espectrofotómetro (mide la reflexión de luz, la longitud de onda) vamos pasándolo por cada cuadrado de color de la hoja que hemos impreso. De esta manera se nos crea un perfil de color en el que se muestra la comparativa de lo real y de lo que ha impreso la impresora. Para la siguiente imagen que vayamos a imprirmir, le cargamos este perfil de color en Photoshop y así mueve las variantes de color para que la copia impresa salga bien. :D

Este es un proceso que realizan (o deberían realizar) las imprentas casi semanalmente, por lo que no deberíamos tener que interactuar en ello, pero es útil por si imprimimos en casa. Eso sí, la gracia del espectrofotómetro no es barata precisamente.

Deberíamos saber diferenciar entre asignar y convertir para no equivocarnos en el Photoshop y no fastidiarla.

Asignar: cambia la apariencia de los colores. Lo hacemos cuando la imagen no lleva un espacio de color predeterminado o también cuando cambiamos de un espacio a otro.

Convertir: no cambia los colores, sólo cambia los valores para que en la impresión haga las variaciones que tenga que hacer para dar el color correcto.

"Se asigna de entrada y se convierte de salida".

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De nuevo he tenido una clase magistral con Jesús Micó. Esta vez sobre el cuerpo en la fotografía. Comenzó proyectándonos una selección de fotos que habían sido galardonadas en los años 90, y luego pidió que de uno en uno fuésemos valorando cuales eran las que más nos gustaban y las que menos. Bien. Se acaba la ronda en la que todo el mundo ha dicho lo que piensa y nos dice que a él no le gusta ninguna y que esto es exactamente lo que no debemos fotografiar nunca. Lo cual nos descoloca a todos un poco.

A partir de ahí desarrolló su personal visión del cuerpo en la fotografía, criticando cómo se ha tratado y se sigue tratando el desnudo... de una manera sexista, machista, conservadora y excluyente. Excluyente porque los modelos han de tener una serie de medidas que estén dentro del canon actual de lo bello. En esas fotos no hay mujeres gordas, feas, viejas, discapacitados y a penas hay hombres. ¿Cuándo vamos a parar de vender sexo a la sociedad? ¿Cuándo vamos a parar de transmitir con nuestras fotos que esas modelos son modelos a seguir?

Después de esta dura crítica y muy cierta a la vez... nos expone su trabajo de Natura Hominis Taxonomías. Que se trata de una serie de fotos en las que retrata a gente desnuda como si se tratase de una foto de DNI o carcelaria. Coge a gente de su alrededor, sin importarle "la belleza" del cuerpo y los retrata uno a uno componiendo así un mosaico. De esta manera trata el desnudo como algo abstracto, individual, igualitario e inclusista. Son fotos que cuando las vi por primera vez en su web no me dijieron nada, pero acompañado con esta reflexión hace que te llegue.

Al rato nos proyectó la segunda parte de su trabajo Natura Hominis Escenarios. Donde hace público lo privado. Son fotos de ámbito completamente privado, de sus padres, de sus amantes, de sus amigos... nos hace espectadores de su vida. Y con estas fotos ocurre lo mismo que con las anteriores, si las ves en su web no te llegan y las pasas rápido, pero si lees el texto que escribe para cada una de ellas y vas oyendo la música que él ha pensado para esas fotos... te atrapa.

Espero que en sus siguientes exposiciones se anime a hacer lectura de sus maravillosos textos.

Conclusión: nos invita a que nuestras fotos sean una puerta de entrada al alma del fotógrafo, un punto de partida. La fotografía debe hablar más del  fotógrafo y no tanto del objeto fotografiado.

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Hoy hemos tenido clase inesperadamente con Jorge Salgado. Nos va a dar unas siete clases de fotografía digital, retoque. Creo que va a ser la asignatura más larga del máster.

En este post no me voy a centrar tanto de hablar de Jorge Salgado sino de lo que ha explicado. Parte de la clase ha sido un recordatorio del RGB y CMYK… Pero luego ha contado cositas que me han venido muy bien. Las cuento:

Nunca me había quedado claro qué hacía cuando configuraba la cámara en SRGB o AdobeRGB. Pues bien, en esa configuración le estamos determinando con qué espacio de color va a trabajar.

El espacio de color es una zona determinada dentro de un modo de color (RGB, CMY…) donde trabaja un determinado dispositivo (cámara, ordenador…). Y el SRGB y el Adobe RGB son difirentes espacios.

El SRGB: (Standar RGB) es un limitado y pequeño espacio de color.

El AdobeRGB: tiene más espacio de colores que el anterior, pero aún así es pequeño.

Esto quiere decir que al fotografiar, nuestra cámara va a captar los colores que estén limitados dentro de un espacio previamente configurado. Si fotografiamos un verde muy clarito por ej que no esté dentro de ese espacio nos cogerá el color que más se acerque a él.

De aquí podemos deducir que es mejor trabajar con el AdobeRGB ya que tiene más colores. Esto no significa que la cámara guarde más colores, ya que eso lo delimitan los bits (1 bit= 2 niveles…………..16 bits= 65.536 niveles por canal) sino que tiene más donde elegir para dar con ellos.

Además de hacer esta configuración en la cámara debemos hacerla también con el programa con el que tratemos las imágenes, ya que si fotografiamos con un espacio de color AdobeRGB en la cámara pero al pasarlo al Photoshop lo dejamos en SRGB… estamos perdiendo calidad de color.

Igual alguno se pregunta que si el AdobeRGB es más amplio… por qué existe el SRGB, pues bien, tal y como nos ha contado Salgado, hay fotógrafos profesionales de bodas que prefieren trabajar con éste segundo ya que el primero saca las pieles un tanto saturadas y magentas, por lo que prefieren utilizar un espacio de color más limitado que no llega a esos colores. Y esto es sólo un ejemplo.

Todo esto del SRGB y el AdobeRGB es para imágenes que no son RAW.

Cuando disparamos en RAW la cámara no coge ninguna configuración que tengamos hecha de espacio de color, ni de saturación… es una imagen pura. Pues bien, cuando procesemos el RAW en el ordenador, para que no baje la calidad del color debemos poner ProPhoto como espacio predeterminado. Que es un espacio de color aún mucho más amplio que el AdobeRGB.

Si toda esta explicación de los espacios de color os queda un poco abstracta o ambigua, hay un programa que se llama Color Think donde podemos ver en una gráfica de color Lab los diferentes espacios SRGB, AdobeRGB, ProPhoto…

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Igual es un poco pronto para hablar de Ciuco Gutiérrez, ya que hoy ha sido mi primera clase con él. Pero creo que me ha quedado claro cómo me voy a sentir en sus clases y en qué línea nos va transmitir. Nos da Estrategias de Búsqueda de un Lenguaje Personal.

Para empezar es el primer profesor que tengo realmente rompedor. Rompedor de las normas, de lo establecido, de los cánones... Para poneros un ejemplo, nos ha estado hablando de la mujer en la fotografía, tanto la fotografiada como la fotógrafa. No es difícil ver y analizar cómo la primera es una representación sexual, la moda, por lo general, fotografía sexo implícito, con las caras, las posturas... Y nos contaba cómo algunas fotógrafas fotografían desnudos, pero tratándolos desde otra perspectiva. Fotografían mujeres que no son "perfectas" tal y como la sociedad las entiende para mostrar así la mujer tal y como es.

Ve en lo digital algo nuevo, diferente, algo positivo. ¡¡Por fin!! Ya se sabe que hay cierta tendencia, en los profesionales que han trabajado toda su vida en analógico, a rechazar lo digital, a verlo como una pérdida del encanto de la fotografía. Nos pide una y otra vez que dejemos de obsesionarnos con la técnica, que nos olvidemos de hacer el karaoke imitando a los fotógrafos que nos gustan. Que empecemos a investigar qué es lo que queremos contar y cómo. Que expresemos nuestra opinión de las cosas.

Muchas veces tengo la sensación de estar muy perdida, fotográficamente hablando. La mayoría de mis compañeros, por ejemplo, tienen ya un tema , una manera de contar las cosas. Algo que les diferencia de otros fotógrafos. Pero yo no lo veo. No veo cual es mi tendencia. Fotografío tanto paisajes como retratos, tanto macros como con el ojo de pez... Pico un poco de todo y nada de algo. Y parece que Ciuco es el que más me va a ayudar en este tema. Y no porque me vaya a decir cual es mi "camino", sino porque me va a ayudar a dar los pasos para descubrirlo yo solita. Nos ha puesto un ejercicio individual de recopilar nuestras mejores fotos, imprimirlas todas juntas a tamaño miniatura en un papel. Mirarlas hasta distanciarnos de ellas. Analizarlas e ir quitando las que por alguna razón no tienen que estar ahí. Quedarnos al final con dos, o con una. Y así fijarnos en la foto que se ha quedado, mirar qué tiene, porque seguramente ahí esté mi yo fotográfico que aún desconozco. Ya os contaré si me funciona :D

Parece que van a ser unas clases de mucho provecho, de romper con lo que se hace y se ha hecho. No es una clase, por ahora, de tomar apuntes, sino de escuchar historias que te hacen reflexionar.

"No soy el mejor, pero soy bueno"

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Jesús Micó, uno de mis primeros profesores. Nos ha dado Historia de la Fotografía, en unas intensas y escasas 9 horas. He de confesar que la primera clase pensé, “vaya qué pena que éste parece más aburrido”, pero ya en la segunda y sobretodo en la tercera clase me di cuenta de lo inmensamente equivocada que estaba.

Para empezar, casi nada más presentarse, nos avisó de que en sus clases no habría descanso (son tres horas seguidas a las 9 de la mañana), porque no se podía permitir el lujo de perder 10 minutos cada día, ya que le tocaba explicar toda la historia de la fotografía en 9 horas, y ya de por sí le faltaba tiempo. Y efectivamente, llegaron los últimos 10 minutos de la última clase, y no habíamos más que llegado a la II Guerra Mundial y de refilón. Pero aunque no hayamos llegado hasta la actualidad, ha merecido la pena, porque nos ha metido, o al menos a mí, el gusanillo de investigar el resto por mi cuenta.

No ha dado la típica clase de historia en las que se dedican a enumerar y describir los movimientos artísticos, fechar todo…, no. Jesús Micó nos llevaba a la época. Cuando nos hablaba del pictorialismo fotográfico, por ejemplo, nos inundaba la cabeza con la mentalidad de aquellos artistas que utilizaban la fotografía como base para el arte, pero no como arte en sí mismo. Nos hacía entender cómo éstos eran incapaces de entender que el arte y la ciencia podían unir sus fuerzas para sacar algo en común. Incapaces de comprender que la realidad no hacía falta embellecerla.

Lograba hacerte comprender por qué las cosas se vivían como se vivían, cómo las entendían… Me atrevería a decir que la época de la historia que mejor se me ha quedado es el arte moderno en Europa. Nos acababa de contar cómo surgió éste mismo movimiento en América, que fue de una manera… llamémosla tranquila, y entonces nos empezó a contar cómo surge en Europa, de forma casi paralela, pero de una forma radicalmente diferente. Nos contaba que acaban de vivir la I Guerra Mundial, nos pone a pie de batalla con sus palabras, nos repite 26 veces que murieron 26.000.000 de personas, para que la cifra se nos quede en la cabeza. Hace que te metas tanto en la época que empiezas a sentir algo raro dentro, una tristeza interior… y entonces, una vez en ese punto, te cuenta que surge el dadaismo…(”naúsea moral provocada por la guerra” Arte sin sentido.), el surrealismo… Entonces comprendes por qué surgieron los movimientos que surgieron, por qué en esa época, y por qué en ese lugar. La idea de arte se correspondía al sufrimiento del momento.

No soy capaz de explicar bien con palabras realmente lo que sentí en sus clases, porque no eran sólo palabras lo que él transmitía. Lo vivía. Cuando acabó el último minuto de la última clase se podía sentir la impotencia que él sentía cuando veía que no había tiempo para más y dijo “esto es como un coito interruptus” y es exactamente lo que sentí. Disfrutas tanto en su clase que cuando ves que se ha acabado el tiempo que hay para esa asignatura y te has quedado por la mitad… es exactamente como un coito interruptus.

Espero hacerle justicia con este post.

Ya os contaré más de él porque le tengo más adelante para otras asignaturas

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