Alguna vez os habéis preguntado ¿por qué se genera el ruido en las imágenes digitales? ¿De dónde viene?

Cuando hacemos una foto la luz que entra por el objetivo va a parar a nuestro CCD o CMOS, los fotones se convierten en electrones al llegar al píxel. Luego pasan a un amplificador y luego a un convertidor analógico digital (CAD). Pero estos electrónes producidos por la luz no son los únicos que llegan a los píxeles. Hay algunos que son producidos por el amplificador y por el CAD y se van al píxel. Los píxeles no “entienden” si vienen de fuera (de luz) o de dentro (mismo de la cámara). Para que nos entendamos es una energía que se escapa de nuestras cámaras cuando realizamos la foto, y esta energía queda reflejada en nuestros píxeles en forma de ruido.

Por eso parece lógico que cuanto menor sea la luz que le llega al píxel más ruido tendrá, y vicebersa, cuando mayor sea la luz que llega menor será el ruido.

Obtendremos más ruido en las siguientes situaciones:

- Largas exposiciones: cuanto más tiempo de exposición más electrones internos se nos cuelan. Además a partir de exposiciones de 3 minutos para delante tenemos otro problema, se generan los llamados fireworks: que son píxeles aleatorios que después de un determinado tiempo de carga “explotan”. Los distinguiremos en nuestras imágenes porque son de color rojo, azul, blanco o raramente verde. (El color depende del filtro que tenga delante ese píxel, y como de verdes hay menos….) Estos fireworks los podemos eliminar desde la cámara activando la opción de “eliminación de ruido en largas exposiciones”.  Lo que hace la cámara internamente es que va haciendo, durante la exposición, un mapeo de píxeles para  localizarlos y quitarlos. Lo malo de este software de cámara es que si estamos fotografinado estrellas o brillos… es que te puede quitar algo que no deba creyendo que se trata de un firework. Además de que la cámara tarda muchísimo más en procesar la imagen. Consejo: nunca dejar activada esta opción sino vamos a disparar en exposiciones muy largas (ralentiza demasiado la cámara).

En los respaldos digitales no tenemos este problema porque cada 20 segundos aproximadamente el opturador se cierra (para luego volverse a abrir) y o bien no se han generado o bien los localiza y los elimina. (Hay el día que tenga yo mi Hasselblad y un buen respaldo digital…)

- Cuando más calor haga.

- Cuando la luz venga más angulada (menos frontal).

- Cuando aumentamos el ISO. ¿Y lo del ISO por qué? Las cámaras digitales podríamos decir que sólo tienen una única sensibilidad, que se corresponderá con el número más bajo que tengamos (en mi caso 100 ISO con mi Canon 500D) En cuanto metemos un múmero más alto de ISO (xej 200) en verdad lo que estamos aumentando es la ganancia (como en las cámaras de vídeo). Y de meter esta ganancia se encarga el amplificador duplicando (para un 200 ISO), cuadruplando (para un 400 ISo)… los electrones. Al multiplicar esos electrones también se nos multiplica el ruido.

Y ya que me he metido un poco con el ISO hago una pequeña anotación. Nuestras cámaras, por lo general, llegan hasta 3.200 ISO por hardware. Si nos deja la opción de subirlo a 6.400 o más en verdad está tirando de software subiéndonos los niveles automáticamente. Podréis comprobar en vuestras cámaras que disparando en RAW no deja utilizar este software. No es muy recomendado tirar con ISOS tan altos.

Si quereis saber cual es la mejor manera para eliminar el ruido de nuestras fotos te lo explico en otro post. Los resultados son impresionantes.

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¿Cómo calibrar un monitor?

La única forma buena y fiable para calibrar un monitor es comprando un Calibrador :D. Este aparato mide la luz que emite el monitor sin influir la luz ambiente.  No es lo mismo calibrar una pantalla de pórtatil que una pantalla externa, porque el portátil no tiene los botones de contraste, brillo y RGB que necesitamos para calibrar. Y debo diferenciar que si trabajamos con dos pantallas (la del portátil y otra externa) se pueden ajustar el diferente estilo de calibrado a cada una si lo hacemos con Mac, los PC's no permiten ajustar dos simultáneamente con diferentes estilos.

Si queréis saber cuales son los mejores monitores os dejo una lista de marcas de mejor a peor:

. Quato: los mejores, pero extremadamente caros.

. Barco: muy parecidos a los anteriores de calidad pero con el mismo precio, caros.

. Eizo: relación calidad - precio muy buenos. Loa precios son algo más razonables.

. Neo: parecido a los anteriores pero de un poco peor calidad.

. LaGe: los de gama alta muy buenos.

. Dell: los de gama alta.

Una característica importante para decidirnos por una pantalla es que tenga los botones para poder tocar el RGB por separado cada canal, para poder hacer así el calibrado más fácil. Esto es simplemente porque las pantallas tienen unos años de vidas, los colores se van desgastando, unos antes que otros, sino están separados se degrada más y para ajustarlo ha de forzar.

Tal vez alguien esté extrañando las pantallas de Apple en esta lista. No se me han olvidado, no las puse aposta. Las pantallas son buenísimas, pero no las deja calibrar, no tiene acceso al RGB, ni al contraste... Para calibrarlas se asemejan a las pantallas de portátil. ¿Qué les costaría meter esos cuatro botoncitos en un laterla de la pantalla para así ser la pantalla perfecta?

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De nuevo he tenido una clase magistral con Jesús Micó. Esta vez sobre el cuerpo en la fotografía. Comenzó proyectándonos una selección de fotos que habían sido galardonadas en los años 90, y luego pidió que de uno en uno fuésemos valorando cuales eran las que más nos gustaban y las que menos. Bien. Se acaba la ronda en la que todo el mundo ha dicho lo que piensa y nos dice que a él no le gusta ninguna y que esto es exactamente lo que no debemos fotografiar nunca. Lo cual nos descoloca a todos un poco.

A partir de ahí desarrolló su personal visión del cuerpo en la fotografía, criticando cómo se ha tratado y se sigue tratando el desnudo... de una manera sexista, machista, conservadora y excluyente. Excluyente porque los modelos han de tener una serie de medidas que estén dentro del canon actual de lo bello. En esas fotos no hay mujeres gordas, feas, viejas, discapacitados y a penas hay hombres. ¿Cuándo vamos a parar de vender sexo a la sociedad? ¿Cuándo vamos a parar de transmitir con nuestras fotos que esas modelos son modelos a seguir?

Después de esta dura crítica y muy cierta a la vez... nos expone su trabajo de Natura Hominis Taxonomías. Que se trata de una serie de fotos en las que retrata a gente desnuda como si se tratase de una foto de DNI o carcelaria. Coge a gente de su alrededor, sin importarle "la belleza" del cuerpo y los retrata uno a uno componiendo así un mosaico. De esta manera trata el desnudo como algo abstracto, individual, igualitario e inclusista. Son fotos que cuando las vi por primera vez en su web no me dijieron nada, pero acompañado con esta reflexión hace que te llegue.

Al rato nos proyectó la segunda parte de su trabajo Natura Hominis Escenarios. Donde hace público lo privado. Son fotos de ámbito completamente privado, de sus padres, de sus amantes, de sus amigos... nos hace espectadores de su vida. Y con estas fotos ocurre lo mismo que con las anteriores, si las ves en su web no te llegan y las pasas rápido, pero si lees el texto que escribe para cada una de ellas y vas oyendo la música que él ha pensado para esas fotos... te atrapa.

Espero que en sus siguientes exposiciones se anime a hacer lectura de sus maravillosos textos.

Conclusión: nos invita a que nuestras fotos sean una puerta de entrada al alma del fotógrafo, un punto de partida. La fotografía debe hablar más del  fotógrafo y no tanto del objeto fotografiado.

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Igual es un poco pronto para hablar de Ciuco Gutiérrez, ya que hoy ha sido mi primera clase con él. Pero creo que me ha quedado claro cómo me voy a sentir en sus clases y en qué línea nos va transmitir. Nos da Estrategias de Búsqueda de un Lenguaje Personal.

Para empezar es el primer profesor que tengo realmente rompedor. Rompedor de las normas, de lo establecido, de los cánones... Para poneros un ejemplo, nos ha estado hablando de la mujer en la fotografía, tanto la fotografiada como la fotógrafa. No es difícil ver y analizar cómo la primera es una representación sexual, la moda, por lo general, fotografía sexo implícito, con las caras, las posturas... Y nos contaba cómo algunas fotógrafas fotografían desnudos, pero tratándolos desde otra perspectiva. Fotografían mujeres que no son "perfectas" tal y como la sociedad las entiende para mostrar así la mujer tal y como es.

Ve en lo digital algo nuevo, diferente, algo positivo. ¡¡Por fin!! Ya se sabe que hay cierta tendencia, en los profesionales que han trabajado toda su vida en analógico, a rechazar lo digital, a verlo como una pérdida del encanto de la fotografía. Nos pide una y otra vez que dejemos de obsesionarnos con la técnica, que nos olvidemos de hacer el karaoke imitando a los fotógrafos que nos gustan. Que empecemos a investigar qué es lo que queremos contar y cómo. Que expresemos nuestra opinión de las cosas.

Muchas veces tengo la sensación de estar muy perdida, fotográficamente hablando. La mayoría de mis compañeros, por ejemplo, tienen ya un tema , una manera de contar las cosas. Algo que les diferencia de otros fotógrafos. Pero yo no lo veo. No veo cual es mi tendencia. Fotografío tanto paisajes como retratos, tanto macros como con el ojo de pez... Pico un poco de todo y nada de algo. Y parece que Ciuco es el que más me va a ayudar en este tema. Y no porque me vaya a decir cual es mi "camino", sino porque me va a ayudar a dar los pasos para descubrirlo yo solita. Nos ha puesto un ejercicio individual de recopilar nuestras mejores fotos, imprimirlas todas juntas a tamaño miniatura en un papel. Mirarlas hasta distanciarnos de ellas. Analizarlas e ir quitando las que por alguna razón no tienen que estar ahí. Quedarnos al final con dos, o con una. Y así fijarnos en la foto que se ha quedado, mirar qué tiene, porque seguramente ahí esté mi yo fotográfico que aún desconozco. Ya os contaré si me funciona :D

Parece que van a ser unas clases de mucho provecho, de romper con lo que se hace y se ha hecho. No es una clase, por ahora, de tomar apuntes, sino de escuchar historias que te hacen reflexionar.

"No soy el mejor, pero soy bueno"

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Jesús Micó, uno de mis primeros profesores. Nos ha dado Historia de la Fotografía, en unas intensas y escasas 9 horas. He de confesar que la primera clase pensé, “vaya qué pena que éste parece más aburrido”, pero ya en la segunda y sobretodo en la tercera clase me di cuenta de lo inmensamente equivocada que estaba.

Para empezar, casi nada más presentarse, nos avisó de que en sus clases no habría descanso (son tres horas seguidas a las 9 de la mañana), porque no se podía permitir el lujo de perder 10 minutos cada día, ya que le tocaba explicar toda la historia de la fotografía en 9 horas, y ya de por sí le faltaba tiempo. Y efectivamente, llegaron los últimos 10 minutos de la última clase, y no habíamos más que llegado a la II Guerra Mundial y de refilón. Pero aunque no hayamos llegado hasta la actualidad, ha merecido la pena, porque nos ha metido, o al menos a mí, el gusanillo de investigar el resto por mi cuenta.

No ha dado la típica clase de historia en las que se dedican a enumerar y describir los movimientos artísticos, fechar todo…, no. Jesús Micó nos llevaba a la época. Cuando nos hablaba del pictorialismo fotográfico, por ejemplo, nos inundaba la cabeza con la mentalidad de aquellos artistas que utilizaban la fotografía como base para el arte, pero no como arte en sí mismo. Nos hacía entender cómo éstos eran incapaces de entender que el arte y la ciencia podían unir sus fuerzas para sacar algo en común. Incapaces de comprender que la realidad no hacía falta embellecerla.

Lograba hacerte comprender por qué las cosas se vivían como se vivían, cómo las entendían… Me atrevería a decir que la época de la historia que mejor se me ha quedado es el arte moderno en Europa. Nos acababa de contar cómo surgió éste mismo movimiento en América, que fue de una manera… llamémosla tranquila, y entonces nos empezó a contar cómo surge en Europa, de forma casi paralela, pero de una forma radicalmente diferente. Nos contaba que acaban de vivir la I Guerra Mundial, nos pone a pie de batalla con sus palabras, nos repite 26 veces que murieron 26.000.000 de personas, para que la cifra se nos quede en la cabeza. Hace que te metas tanto en la época que empiezas a sentir algo raro dentro, una tristeza interior… y entonces, una vez en ese punto, te cuenta que surge el dadaismo…(”naúsea moral provocada por la guerra” Arte sin sentido.), el surrealismo… Entonces comprendes por qué surgieron los movimientos que surgieron, por qué en esa época, y por qué en ese lugar. La idea de arte se correspondía al sufrimiento del momento.

No soy capaz de explicar bien con palabras realmente lo que sentí en sus clases, porque no eran sólo palabras lo que él transmitía. Lo vivía. Cuando acabó el último minuto de la última clase se podía sentir la impotencia que él sentía cuando veía que no había tiempo para más y dijo “esto es como un coito interruptus” y es exactamente lo que sentí. Disfrutas tanto en su clase que cuando ves que se ha acabado el tiempo que hay para esa asignatura y te has quedado por la mitad… es exactamente como un coito interruptus.

Espero hacerle justicia con este post.

Ya os contaré más de él porque le tengo más adelante para otras asignaturas

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Por si no lo sabéis, soy un fanático de los Podcast de fotografía, me apasionan y me motivan mucho.

Desgraciadamente, en nuestro idioma no es fácil encontrarlos, algunos empiezan y a las pocas actualizaciones abandonan. Actualmente sigo unos diez podcast, siendo solo uno en castellano, y es una pena...

Sin embargo hoy para mi es un gran día, he asistido al nacimiento de un nuevo podcast, se encuentra alojado en www.lenteabierto.com, y viene francamente bien recomendado.

Uno de sus creadores, Alex (Pelos) Briseño, tiene una larga experiencia en esto del podcasting, ya que participo en uno de los más representativos de nuestra afición en español.

A los que no conozcáis que es esto de los podcast, os recomiendo que visitéis su web y oigáis el primer capitulo que nos ofrecen, o también para los que tengáis Itunes, lo podréis encontrar allí.

Advertencia: puede llegar a ser verdaderamente adictivo :)

¡Mucha suerte para lente abierto y muchas felicidades por la iniciativa!

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Con la frase del título estoy contradiciendo lo que yo mismo y otros, hablábamos hace años con los negativos.

Para empezar, la gama de sombras y luces extremas no es posible pueda ser reproducida en película ni en digital, porque el ojo del hombre, y su retina sobre todo, y su cerebro, tiene una enorme capacidad de resolución en ambos extremos.

Siempre se ha dicho eso, pero con unas referencia concretas: en negativos no se puede sacar detalle en las sombras subexpuestas (que son las partes transparentes de la película), simplemente porque, si son transparentes los negativos, nada se puede hacer. Lo transparente en negativo es negro profundo en positivo.

Lógico.
Y mucha gente se empeñaba en revelar el positivo con menos tiempo, obteniendo un gris, sin detalle. Lógico.

(Aclaro aquí, más que nada para los nuevos compañeros que no han tenido tiempo de leerse todos los temas, e incluso para los que no se han fijado en todo, por las prisas, que la obsesión de la Fotografía, desde sus comienzos, ha sido, en buena parte, no el reproducir los colores ni sus gamas equivalentes en blanco y negro sino extraer el detalle de sombras y luces para equiparar la realidad, que vemos con multitud de tonos, desde y hacia los dos extremos de la realidad)

Eso es lo que haría grandiosa a una foto, en los términos clásicos. No hablo en este hilo de lo bonito y creativo que puede ser estropear esos umbrales, haciendo fotos de alto contraste.

Pero es bueno saber lo que ocurre para poder descontrolar después y a veces.

Pero, en diapositivas; o sea, positivos por transparencia, siempre se ha buscado no excitar las luces. Esto es debido a cómo ocurren las cosas en negativo y en positivo.(negativo es la oposición resultante de sombras y luces.

Diapositiva, en griego, signfica, "a través del positivo" puesto que su función primaria consistía en proyectar con luz a través de la imagen para iluminarla sobre una pantalla)

Por lo tanto, en diapositiva había que hacer lo contrario: exponer pensando en el detalle de las luces, que ya se encarga la transparencia de la proyección en sacar el detalle de las sombras.

Pero luego se le ocurrió al ser humano sacar copias en papel de las fotos realizadas como diapositivas (mirad que no digo diapositivas como algo absoluto, sino "las fotos realizadas como diapositivas", ya que el proceso inicial es el mismo: sacar un negativo; puesto que las sales de plata se impresionan y producen negro o gris).

El hombre tiende a ponerlo todo en papel. Desde el correo electrónico hasta la foto. En papel lo vemos mejor. Incluso los libros electrónicos los imprimimos; porque nadie quiere leer una pantalla, por lo menos en este siglo.

http://www.papyre.com

(Ahora, con los nuevos lectores tipo Papyre ya es posible leer sin retro-iluminación, gracias a una técnica de puntos de negro que conforman las letras.)

Pues cuando se revela en papel una diapositiva, puede perder todos los tonos en sombras y luces, producto del propio proceso agresivo.

Una diapositiva se revela primero en blanco y negro, con lo cual obtenemos un negativo en blanco y negro del original-realidad.

Después se aplica un velado (sí; se vela la película, bien exponiéndola a la luz o con un velado químico que quema las sales de plata no expuestas a la luz todavía)

Después viene un revelado en color sólo para la parte que puede ser revelada, que es el positivo.

Esto origina un enorme contraste.

Ahora, vamos a lo digital:

Toda la parte de luces ocupa el mayor porcentaje de almacenamiento en la tarjeta; convertida en "bits" (0 ó 1) y es lógico también porque el sensor coge lo más que puede de las luces y concentra ahí la exposición general.

¿Qué hacer si hace eso? Pues llevar la mayor información, pensó alguien, hacia esas zonas que mejor capta el sensor.

Nosotros, ahora que lo sabemos, buscamos lo mismo: llevarnos una buena carga de tonos hacia la zona más sensible del sensor.

Así, una buena exposición, en "raw", que es la diapositiva en bruto, sin tratar, sin que la cámara haga nada más que coger el color (entre paréntesis, porque es sólo una referencia) es la que se lleva gran parte de la escena hacia la parte derecha del histograma, que son las luces.

Luego, Photoshop o el programa en cuestión, ya se encarga de "corregir" la toma, desviando la exposición en aproxiamadamente -1,65 ó -1,75. Pero estos valores son muy pesimistas. Tened en cuenta que la foto que veis en el histograma de la cámara, en el visor de la foto recien hecha, es un JPEG con tratamiento. 

Por lo tanto, en algunas cámaras se puede llevar este valor hasta 2 ó 3 valores E.V. En el “Camera Raw” se puede ver hasta que encuentres tu valor óptimo.

La realidad es que se puede sobre-exponer hasta en +3 E.V. De ti depende probar con la sobre-exposición y ver hasta dónde llega la recuperación de las luces.

Por eso es muy importante que la toma se desvíe hacia las luces en unos dos E.V. de valor de exposición (quiera usted hacerlo con el diafragma o con la velocidad).

Cuando se abre la foto "raw" en photoshop o en cualquier programa que sepa leer los "raw", éste aplica rápidamente un algoritmo de corrección en esos valores; porque, claro, hablamos de programas informáticos. Y no son tontos; por eso tienen su precio. Comparan zonas y porcentajes de sombras y luces.

Eso sí, el comando de sombras/iluminación funciona mal y deja las sombras grises y pálidas siempre no hayamos hecho la exposición previa en el ACR Hay que conseguir la luz con el mando "exposición" del “camera raw” antes de lanzarlas al editor.

Con esto digo que podéis confiar en que luego la "modifico en PS"; la foto tiene que salir casi perfecta del editor "raw" y el mando "exposición" es vital porque es quien "saca de donde parece que no hay"

Y por eso mismo digo que de donde no hay en analógico sí hay en digital, porque todo debe ir a la derecha del histograma.

Con esto también contesto a quien pregunta sobre el comando "exposición".

En ACR de Photoshop existe el comano “intensidad” que ilumina los tonos medios sin afectar a los detalles de otras zonas.

 E incluso tienen relleno de luz, imitando el efecto de un “flashazo” frontal.

Yo uso ya varios programas para conseguir lo que quiero. No me limito a uno solo, como no como una sola comida.

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Intento resumir cómo deberíamos analizar una foto, y no sólo para la publicación en comentarios en Internet, sino también para que tengamos unas pautas para el aprendizaje personal.

En estos últimos tiempos me he replanteado mi visión fotográfica.

He visto que la fotografía digital me ha hecho daño, e, incluso, ha hecho daño en el mundo de la Fotografía. Cada día hay millones de fotos, muy malas en general. Y Flickr se lleva la palma. En otros foros como Ojo Digital, Caborian, Photo Net, Zenfolio, Behance, Ncuadre; por citar algunos, sí se ven grandes obras; la masificación es menor y el sistema de colgar las fotos evita la proliferación de vulgaridades.

¿Por qué me ha hecho daño? Pues quizá por la facilidad de la visión previa; y el poder repetir, con tarjetas de memoria enormes, la misma foto mal medida o mal vista. Los carretes ya son gratis y la forma compulsiva de disparar se ha convertido en un enemigo del artista.

Esto me ha hecho pensar que yo hacía mejores fotos con el sistema físico-químico. Me paraba a pensar el encuadre y la exposición, porque la foto no la veía hasta que llegaba a mi laboratorio y la revelaba. A partir de esta toma de conciencia, me estoy dedicando a ver fotos y a analizarlas con calma, en los buenos foros que he citado y otros más.

Y dedico algunas horas a aprender.

Sin más, paso al tema principal. Gracias por estar aquí.

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Según el Diccionario de la Real Academia Española de la Lengua:

*Distinción y separación de las partes de un todo hasta llegar a conocer sus principios o elementos. 

*Examen que se hace de una obra, de un escrito o de cualquier realidad susceptible de estudio intelectual.

*Examen de los componentes del discurso y de sus respectivas propiedades y funciones.

*El que tiene por objeto descubrir y aislar los elementos o ingredientes de un cuerpo compuesto. 

*Método estadístico usado para cuantificar la importancia de cada uno de los factores actuantes en un fenómeno.

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Estas definiciones pertenecen a situaciones y temas diversos; pero, por eso mismo, son un punto de partida.

Analizar es ver y cuantificar en orden a los elementos y al conjunto.

El gusto particular de una persona nunca constituye un elemento objetivo de análisis, puesto que, por su subjetividad extremada, no deja de ser un fenómeno momentáneo y provisional; es decir, la persona alcanza la obra sólo en una primera visión, poco digerida intelectualmente.

Se trataría de alcanzar un orden superior en la escala de los conceptos y la visión.

-1) Separar cada elemento para ver su valor individual.

-2) Unir los elementos parecidos para ver su identificación entre ellos.

-3) Considerar esos elementos similares en un todo, que formarán la primera parte del análisis.

Así, podríamos decir, en la práctica, que la cabeza, la boca o la nariz en un retrato, no forman un buen conjunto. Porque los elementos personales de ese retrato no tienen el punto de vista adecuado; no porque el retratado sea feo o guapo, poco atractivo o muy atractivo.

-4) Ver las oposiciones entre los distintos (no entre los contrarios). Por ejemplo, las ovejas y los caballos son distintos, no contrarios. Los niños y los caballos son contrarios. El río y el puente son distintos, no contrarios. ¿Por qué? Porque en la mente humana y su conocimiento de las cosas, nos dicen que es natural que un puente esté junto a un río. No nos dice que el puente cruce el río; nos habla de que pueden estar juntos. A esto se le llama elemento morfológico; un puente antiguo junto a un supermercado no constituye oposición entre distintos, sino entre contrarios.

La cabeza, o la cara, ocupa mucho o poco sitio dentro del conjunto.

-5) Pasar a los contrarios: Esto es lo más difícil, porque supone considerar una parte de la foto como opuesta a otras partes; el fondo, el clímax, el encuadre. ¿Qué elementos son contrarios? Los que fuerzan la vista de la consciencia hacia un orden de cosas que a ti se te habían pasado inadvertidos, no desapercibidos.

-6) Unir los distintos y los contrarios siguiendo un orden mental evidente. Parecido a cómo una persona ve a otra, de la cara a los pies, cuando la conoce. O ver el paisaje con frío o con calor, como nos pasa a todos. Esto son ejemplos simples para el mejor conocimiento.

El elemento subjetivo siempre atenta contra el conocimiento previo y la consciencia (no conciencia) previa, desde el punto de partida del analizante. El elemento subjetivo es una mafia interior que siempre quiere hacernos esclavos del primer golpe de vista.

Así, tenemos que la primera visión siempre es un golpe para la vista; porque no es como nosotros imaginamos el mundo.

-7) Evitar el acaloramiento excesivo del primer momento; se ve una foto, la tienes que analizar, y todas tus armas iniciales, son no me gusta, no me dice nada, qué pretende demostrar éste...

Pensar, eleva al hombre sobre todos los impulsos iniciales, y sobre el gusto de los animales. No se trata de gustar sino de ver. Todo gusto inicial es perjudicial porque se basa, no en un análisis sino en un instinto subjetivo, es una metamorfosis, a nuestra medida, de los demás.

-8) La sintaxis (conjunto de reglas que definen las secuencias correctas de los elementos[...])

Se trata de colocar todas las partes en una. Coger los elementos y situarlos en el punto de vista del autor. ¿Los elementos distraen o no están en consonancia con el motivo de los análisis previos?

-9) El análisis fotográfico: Puede tener cualidades que yo nunca he visto. Colores que pudieran pertenecer a otro mundo. Olvídate de las cuatro reglas básicas de zona áurea, regla de los tercios, horizontes torcidos y falta de detalle en la luces.

-10) El color: es un color atinado para esta foto o el autor ha querido poner algo que le valga para demostrar que no sabe. El color (e incluyo el blanco y negro como color) es una razón de propiedad de los tonos. Los colores se distribuyen por la foto con alegría o con amargura.

El color también es una cuestión de conciencia.

No se puede insultar a la gente con colores.

Esto no es sólo para el Photoshop. Antes, también se hacía en el laboratorio, sobre todo en el manual de color. El color es para el color y el blanco/negro para el blanco y negro.

-11) Los contrastes y sus amores. No siempre el contraste es el amigo de la buena foto.

-12) Las diagonales y sus cosas: No tiene por qué haber diagonales como en un cuadro. La Fotografía tiene sus propias reglas de composición. Una foto puede tener todo torcido, incluso el horizonte caído, sin que se nos caiga el alma a los pies. De hecho, grandes obras fotográficas tienen esos horizontes que se caen.

-13) El fundamento de todo: Analiza la foto: El último comentario es el que más puede. No critiques, analiza.

Después de todos los análisis, queda tu percepción:

Un paisaje bonito que me eleva, un retrato con gusto, una hermosa cara bien o mal tratada...

Pero éste es el comentario final, nunca el inicial.

y -14) Pon un último comentario natural. Después de todas las reglas, nada mejor que un toque de buen gusto, que animará al fotógrafo para seguir poniendo más. ¿No se trata de hacer la vida mejor a todos?

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Y que quede claro un aspecto importante:

Cuando se analiza una fotografía, un libro, una película, un cuadro, una pieza musical o cualquier otra obra de arte, se trata de describirla, buscando los aspectos positivos y su interrelación. Si no se encuentran dichos aspectos, cambiaríamos el punto de vista para ver los negativos.

Esto es el análisis positivo.

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©José Ricardo Fernández - Joserri

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